María Sol Escobar, connue sous le nom de Marisol, comptait parmi les figures marquantes de la scène artistique new-yorkaise des années 1960. Jusqu’au 23 août 2026, la Kunsthaus de Zurich présente pour la première fois en Europe une grande rétrospective. Ce qui frappe d’emblée, c’est la physicalité même des personnages. Des figures en bois surdimensionnées peuplent l’espace comme une société muette – grossièrement sculptées, peintes, aux yeux fixes et dotées d’une présence impossible à ignorer. Marisol ne crée pas de sculptures. Elle crée des scènes.

Cette rétrospective rassemble plus de 100 œuvres: environ 60 sculptures et objets, une quarantaine d’œuvres sur papier et de photographies, ainsi que des films et des documents d’archives, dont une grande partie est présentée pour la première fois en Europe. L’œuvre de Marisol oscille entre le pop art américain et le nouveau réalisme européen, sans jamais s’inscrire clairement dans un courant particulier. Andy Warhol, avec qui elle entretenait une étroite amitié, la qualifiait de «première artiste glamour». Alors qu’il produisait ouvertement de manière mécanique, Marisol travaillait à la scie, au ciseau et au pinceau, dans un travail artisanal intense, chaque sculpture étant une pièce unique. La rédaction de Swiss Arc a visité l’exposition. L’impression qu’elle laisse perdure longtemps.

Le bois comme langage

La rédaction de Swiss Arc s’est retrouvée face à des figures qui la dépassaient en taille tout en rappelant des jouets d’enfants. Cette contradiction est voulue: ce qui semble naïf est en réalité calculé avec précision. Marisol puise dans sa boîte à outils: moulages en plâtre, blocs de bois brut, sculpture sur bois, dessin, peinture, objets trouvés, vêtements. À partir de là, elle construit des ensembles figuratifs qui occupent à la fois les murs, le plancher et l’axe visuel. Le visage et les mains transmettent une expression, tandis que le corps apparaît immobile, dans une posture massive. Les grands yeux fixes des personnages vous suivent à travers la salle. Les visiteur·euses les regardent. Ils leur rendent leur regard.

Marisol s’inspirait souvent d’objets et de matériaux du quotidien: le bois, les vêtements, le cuir ou des objets trouvés se transforment en ensembles de personnages originaux, souvent humoristiques et en même temps déroutants. Dans l’exposition, La visita se présente comme un groupe soigneusement mis en scène et montre comment Marisol traduisait les questions d’identité, de rôles sociaux et de vie en société en scènes sculpturales. Outre ces ensembles bien connus, l’exposition présente des facettes moins connues de son œuvre et témoigne de la diversité formelle de Marisol – allant de la gravure et de la photographie aux décors de théâtre, en passant par les monuments dans l’espace public et les dessins délicats sur papier.

Une satire pleine de précision

Marisol porte un regard ironique et finement observateur sur les photos de famille, les postures de pouvoir et les rôles sociaux. Dans The Car (1964), elle transforme une Ford décapotable turquoise en une scène de société: des têtes peintes et des parties de corps fragmentées peuplent le véhicule. Cette œuvre allie la culture pop à un regard critique sur la consommation, le rêve américain et l’appartenance sociale. Dans ses représentations de De Gaulle, de John Wayne et de la reine Elizabeth également, Marisol bouleverse les images familières du pouvoir. Les personnages plus grands que nature semblent d’abord caricaturaux et comiques, jusqu’à ce que l’humour vire au malaise..

Marisol mettait sans cesse son propre visage en scène. Dans Dinner Date (1963), elle se rencontre elle-même pendant un souper. Dans The Wedding (1962-1963), la mariée et le marié arborent ses traits. Et dans The Party (1965-1966), son visage apparaît sous de nombreuses formes au sein d’une scène de société. Chez Marisol, l’identité n’apparaît pas comme quelque chose de fixe ou d’uniforme. Elle naît plutôt de rôles, de regards et de répétitions, et reste malléable.

Vergessen und wiederentdeckt

En 1968, Marisol était l’une des quatre seules femmes parmi les 150 artistes présents à la documenta de Kassel. La même année, elle a représenté le Venezuela à la Biennale de Venise. Elle s’est ensuite retirée de la scène artistique, a voyagé à travers l’Asie, a pratiqué la plongée et a découvert le monde sous-marin comme sujet de ses œuvres. Le monde de l’art l’a oubliée. Elle a continué à travailler.

Ce n’est qu’après le travail de mise en valeur de son héritage artistique mené au Buffalo AKG Art Museum que cette réévaluation a pris son essor en Amérique du Nord. L’exposition zurichoise est organisée en collaboration avec le Louisiana Museum of Modern Art de Humlebæk, le Museum Boijmans Van Beuningen de Rotterdam et le Museum der Moderne de Salzbourg – et remet au goût du jour en Europe une artiste dont l’œuvre apparaît aujourd’hui plus percutante que jamais.

Les grandes sculptures de poissons apportent une touche différente. Après ses expériences de plongée, Marisol s’est intéressée de près au monde sous-marin. Posés sur leur socle, les poissons ressemblent à des créatures venues d’un autre monde. Leurs formes monumentales leur confèrent une présence singulière et témoignent en même temps de l’intérêt de Marisol pour la relation entre l’humain, l’animal et l’environnement.

Figuren wie Räume

Marisol construit des figures, tout comme des espaces, à partir de couches, de fractures et d’éléments trouvés qui ne prennent tout leur sens que par leur interaction. Volume, surface, axe visuel: la logique de construction est la même que celle de l’architecture, mais les questions vont plus loin. Que révèle une société lorsqu’elle se met en scène? Qui détient le pouvoir et à quoi ressemble-t-il? Marisol n’apporte pas de réponses. Elle crée des situations dans lesquelles on ne peut s’empêcher de se poser ces questions.

Outre les ensembles bien connus, l’exposition présente des séries d’œuvres moins documentées, telles que des gravures, des décors de théâtre et des monuments destinés à l’espace public, qui montrent à quel point Marisol a travaillé avec constance à son langage visuel pendant cinq décennies. Les questions qu’elle soulève nous accompagnent. Ses personnages aussi.