Text: Nina Farhumand

Les projets réagissent à la chaleur, les matériaux circulent, les technologies s’interconnectent – non pas comme un spectacle, mais comme une tentative d’établir de nouvelles routines. Pas de grand geste, pas de forme rigide, pas de thèse, mais une attitude. Le pavillon central des Giardini étant en cours de rénovation, l’exposition principale s’étend sur la ville. Des installations, des prototypes et des expériences investissent l’Arsenal, les Giardini et les quartiers voisins. Venise devient un laboratoire urbain; la ville, elle-même touchée par le changement climatique, fait partie intégrante de l’exposition. Carlo Ratti, professeur de technologies numériques au MIT, apporte son expérience de la théorie et de la pratique pour poser à nouveau des questions centrales: que peut faire l’architecture? Surtout, comment s’adaptent ses processus de creation; par l’échange, par les données, par la responsabilité? Les chiffres montrent l’impact de cette problématique: plus de 750 contributeurs issus des disciplines les plus diverses ont répondu à l’appel, plus de 280 projets provenants d’équipes qui travaillent de manière interdisciplinaire, transnationale et intergénérationnelle, ont vu le jour – avec une forte participation de femmes. 65 pays ont participé, dont pour la première fois l’Azerbaïdjan, le Qatar, l’Oman et le Togo. La biennale le montre: L’architecture est un projet collectif.

À l’Arsenale, tout vibre, clignote et s’active. Des bras robotisés attrapent des pièces, captent les gestes, des voix synthétiques résonnent à travers les ecrans. L’exposition principale déploie une véritable chorégraphie technologique – dense, exigeante, presque hypnotique. Dans «Co-Poiesis», un robot esquisse des pas sur la mélodie d’un steelpan mécanique: ici, la coordination devient spectavle. Plus loin, «Am I A Strange Loop?» met en scène un humanoïde qui scrute l’espace, parle, se meut – comme s’il percevait réellement les visiteurs. D’autres installations permettent à l’IA de réfléchir de manière spéculative – via des images générées, des fragments de texte, des boucles vidéo. Une question implicite traverse ce paysage machinique: qui, finalement, orchestre cette mise en scène; l’humain ou l’algorithme?

La Corderie s’articule autour d’espaces modulaires et fractals – un système de «nœuds», qui entrecroise les grands et les petits projets. Il en résulte une structure qui favorise l’échange plutôt que la séparation et qui rend visible ce dont il est question dans cette biennale: l’intelligence en réseau. Ce qui est décisif, ce n’est pas ce qui peut être testé, mais ce qui connecte. Le comportement biologique, l’apprentissage automatique, l’action collective – tout s’imbrique.

L’architecture ne fournit pas de réponses toutes faites. Elle pose des questions: comment un matériau réagit-il à l’humidité? Comment l’espace change-t-il dans un miroir numérique? Que fait un algorithme d’un plan d’étage? L’exposition pense en termes de relations et non de frontières. Elle remplace les expositions nationales par des espaces thématiques – réparation, ressources, climat, pouvoir. Tout se met en mouvement: matériaux, personnes, systèmes. Ce n’est pas l’objet qui est au centre, mais le processus. L’architecture se présente comme un champ d’apprentissage – ouvert, adaptaté,interconnecté.

Entre choc thermique et détente: le pavillon allemand confronte les visiteurs à un test de stress thermique palpable – l’air vacille d’abord, puis l’eau, les plantes et les enveloppes textiles rafraîchissent le climat et les sens. D’autres pays travaillent avec l’odeur, l’ombre et le toucher. L’exposition condense les conséquences des choix architecturaux en une expérience physique immédiate – précise, concrète, sans pathos.

Un deuxième accent est mis sur les matériaux: murs en argile, toits d’algues, meubles en ferraille. Ce qui finissait autrefois à la décharge est ici utilisé – non pas comme solution de secours, mais comme solution primaire. Les projets ne reposent pas sur l’innovation, mais sur la conservation – avec une clarté politique. Celui qui construit influence les chaînes d’approvisionnement mondiales: de l’origine du matériau à sa transformation. Qui démolit provoque des émissions. La biennale le montre clairement: l’architecture est une question climatique. Elle demande comment nous utilisons les ressources – et qui en porte la responsabilité. Un exemple poétique est fourni par «Living Structure» de Kengo Kuma & Associates: à l’aide d’une intelligence artificielle, des arbres abattus par des tempêtes ont été mesurés et reliés à l’aide de nœuds imprimés en 3D pour former une structure sculpturale – sans colle ni métal. La technique fait appel à des assemblages de bois traditionnels japonais. Un hybride d’artisanat, de technologie et d’éthique des matériaux – et un plaidoyer pour une construction circulaire.

Cette biennale s’exprime à travers plusieurs voix – et elles ne résonnent pas à l’unisson. De nouveaux pays, des groupes marginalisés et des réseaux informels rendent évidente la manière dont l’architecture peut aussi fonctionner: communautaire, contradictoire, enracinée localement. L’accent n’est pas mis sur un langage universel, mais sur de nombreuses manières d’appréhender l’espace. La contribution suisse, intitulée «La forme finale est déterminée par l’architecte dans la construction», demande plus de rôles de direction pour les femmes dans l’architecture – pas seulement rétrospectivement, mais en tant que changement structurel. Le pavillon néerlandais se transforme en bar sportif queer et dissèque les rituels, l’appartenance et la perception du corps – une approche politique au ton ludique. Le pavillon nordique – porté par la Suède, la Norvège et la Finlande – met en avant les corps des personnes trans et non-binaires et se demande comment l’architecture façonne ou remet en question l’identité. Les deux contributions ébranlent le mythe de l’espace neutre et montrent comment la biennale elle-même remet en question ses structures: à qui est réservé un espace? Qui est entendu? Qui reste marginal? La visibilité n’est pas un thème secondaire, elle fait partie du discours architectural. Dans cette polyphonie se manifeste une architecture qui ne vise pas l’individualité, mais la confrontation. Enracinée dans le local, ouverte sur le global.

Pas de spectacle, pas d’éclat, pas de brillance – la Biennale 2025 est un espace de réflexion sur l’avenir de l’architecture: en concevant, en construisant, en faisant des recherches ou en observant. Elle ne donne pas de réponses simples, elle donne des indices afin de réfléchir, changer d’avis et de continuer à penser. Cette biennale le montre: L’architecture ne se contente plus depuis longtemps de construire des maisons. Elle associe les connaissances, remet en question les routines, économise les ressources et s’ouvre à l’imprévu.

Par rapport aux éditions précédentes, elle renonce à une narration claire. Alors que des curateur·ice·s comme Lesley Lokko (2023) ou Hashim Sarkis (2021) structuraient des récits linéaires, Carlo Ratti mise sur la friction, les contrastes et l’exacerbation technique. De nombreuses approches interpellent – mais c’est précisément ce qui caractérise cette édition. Elle ne cherche pas à plaire, mais à irriter et à inciter à la réflexion. L’architecture apparaît ici comme un système ouvert qui se remet continuellement en question. Certains pavillons rendent cette idée tangible en s’exposant eux-mêmes – à l’image du pavillon danois, qui se transforme en exposition au cœur de son propre chantier. En y regardant de plus près, on s’aperçoit que la construction commence souvent là où personne n’est encore sûr de la suite des événements.

Le texte a été écrit par Nina Farhumand pour le Swiss Arc Mag 2025–3/4 et traduit en français par Estelle Gagliardi.

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